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Corrala Fernandez de la Hoz (Interior II)

(Foto: Enrique F. Rojo, 2006)

La vieja corrala

Ocho años después de que se anunciase, la vieja corrala de la calle Fernández de la Hoz 63 de Madrid es posible que, ahora si, esté cercana a la demolición.
El edificio se encuentra en el barrio de Chamberí, en un solar de 1.087  m² con una superficie edificable de 5.461,11 m². Una de sus fachadas da a la plaza de San Juan de la Cruz , muy cerca del Paseo de la Castellana y enfrente de Nuevos Ministerios.

Casa de corredor anacrónica

El edificio data con toda probabilidad de los años 20-30 del siglo pasado y su tipología resulta algo anacrónica dado que en la época la casa de corredor ya estaba en desuso. Llama la atención que el edificio del contiguo número 61 de la calle tiene la firma de Luis Gutiérrez Soto que, entre 1930 y 1933  construyó este bloque de viviendas que exhibe algunas de las características que con el tiempo definirían sus edificios de viviendas y que iniciaron el cambio y la modernización en las construcciones de la zona.

Corrala Fernandez de la Hoz  (fachada)

(Foto: Enrique F. Rojo, 2006)

La casa de corredor del número 63 cuenta, de momento,  con dos bloques divididos por un patio interior al que se puede acceder con vehículo y que da acceso a unas cocheras o pequeños talleres y al núcleo de escaleras de los corredores. Al bloque mayor, con fachada a Fernández de la Hoz se accede por una escalera interior y presenta una ejecución habitual, más propia de su época. Las viviendas oscilaban desde los 30 m², correspondientes a las del corredor, a los 60 m² de las viviendas principales con vistas a Fernández de la Hoz y al patio mismo. Los locales comerciales tenían desde los 273 m² del principal dedicado a uso industrial, a los 57 m² del comercio más pequeño.

Corrala Fernandez Hoz

Corrala de Fernández de la Hoz. Mural pintado por José Luis Tirado en 1987 que representa unos gigantes, aparentemente, avanzando de forma inquietante entre la construcción. Tal vez una intuición. (Foto: Enrique F. Rojo, 2006)

Especulación en una cotizada zona de Madrid

Hasta marzo de 2007 la propiedad pertenecía al Instituto de la Vivienda de la Comunidad de Madrid (Ivima) que trás efectuar su desalojo la puso a la venta por medio de una subasta, ganada por la empresa Restaura, que pagó por la adjudicación 39,44 millones de euros.
Después de numerosos vaivenes económicos de Restaura, el edificio acabó finalmente en 2008 en manos de la sociedad inmobiliaria Pontegadea, filial de Inditex, del holding de empresas de Amancio Ortega, la cual pone a la venta definitivamente la propiedad.

Fernández de la Hoz, 63

Edificio de Fernández de la Hoz, 63 en mayo de 2015. (Foto: Enrique F. Rojo)

Al tratarse de un solar cuyo uso es residencial sin que sea necesario ningún tipo de modificación ni planeamiento alguno, es previsible que su futuro sea el  anunciado en 2007: la demolición para construir pisos exclusivos en esta zona especialmente cotizada.

Referencias.-

La “corrala” de Fernández de la Hoz (Blog Urbanidades, 2007)
Noticias sobre Pontegadea (El País)

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Cuando las calles y el espacio público urbano se convierten en ocasionales galerías de exposiciones de arte efímero, la ciudad adquiere una función nueva. Más allá de servir como mero soporte de información que capte la atención del ciudadano, el arte urbano dota de valor estético, o quizá lo redescubre, al espacio en el que se exhibe, dignificando lo que por descuido o intencionadamente se deja degradar,  formando parte, como un elemento más, del propio objeto artístico.

La intención primera del artista que trabaja en la calle es la de convertir los espacios cotidianos, muchos de ellos ruinas urbanas, espacios que pasan desapercibidos o que miramos con desdén, en lugares nuevos y dotados de interés en su nueva dimensión dignificada.
El espacio público urbano alcanza su nueva dimensión a través de estas obras nacidas para desaparecer, cuyo destino es casi siempre el de los lienzos de los muros o las paredes en ruina que les sirven de soporte. Es una representación simbólica de lo perecedero como tendencia reinante en el mundo actual. Pero también constituyen una llamada de atención al ciudadano y, para el artista una manera de darse a conocer a través de canales transgresores y a veces ilegales.
En esta breve exposición de arte urbano nos regocijaremos con la presencia de tres artistas urbanos, alguno de los cuales ya ha dejado la impronta de su paso por Madrid.

“María”, mural de Jorge Rodríguez Gerada realizado en 2004 en la pared medianera de un edificio derribado en Barcelona. (Foto: Creativity Fuse, 2004)

Jorge Rodríguez Gerada es un cubano  nacido en 1966 cuya formación se ha desarrollado en los EE.UU. En la serie “Identidades”, iniciada en España en 2002, elabora sobre paredes de edificios inmensos retratos a carboncillo de personajes anónimos de las ciudades en las que hace los trabajos. Ha realizado, como casi todos los artistas de arte urbano, incursiones en la culture jamming, corriente contracultural que interviene en los espacios públicos urbanos ironizando y caricaturizando las expresiones culturales hegemónicas dominantes y las más comerciales.

“Antonio”, mural en carboncillo de Jorge Rodríguez Gerada realizado en 2005 en una pared medianera de un edificio derribado de Madrid. (Foto: Creativity Fuse, 2005)

Raquel y María”, mural en carboncillo de  Jorge Rodríguez Gerada realizado en 2006 en una pared medianera de la calle Fuencarral de Madrid. (Foto: Creativity Fuse, 2006)

Mural realizado por Louis Lambert (3TTMan) en 2009 en la calle de San Bernardo de Madrid.

Louis Lambert  nació en Lille (Francia) en 1978 y  llegó a Madrid en 2001, tras haber recorrido medio mundo dejando su arte por las paredes. 3TTman desarrolla su propio estilo, que él llama “pop-trash”, caracterizado por el uso de colores llamativos y composiciones caóticas. Sus soportes son paredes o muros a punto de ser derribados, lo que acentúa el carácter de arte efímero de sus obras.

Mural de Trois Tête man (3TTMan) realizado en la calle San Bernardo de Madrid (2010).

Cara de mujer, Alexandre Farto. (Foto: por cleopatra69, en Flickr, 2010)

Alexandre Farto alias “Vhils” realiza obras en  muros y en paredes desconchadas perdidas de  las ciudades que visita. Nacido en 1987 en Lisboa (Portugal) y residente en Londres,  es un artista urbano que comenzó haciendo graffiti tradicional y que ha evolucionado hacia realizaciones elaboradas dibujando rostros sobre muros y paredes de ladrillo en descomposición sobre las que erosiona las capas hasta lograr el resultado buscado. Todavía no ha realizdo ninguna obra en España.

street art London - VhilsCara de Hombre, Alexandre Farto. (Foto: por Kriebel, en Flickr, 2009)

Street Art in London feat. Alexandre FartoEn una calle de Londres, Alexandre Farto. (Foto: por Manon Aubel, en Flickr, 2010)

alexandre farto aka vhilsRostro en una vieja pared, Alexandre Farto. (Foto: por Gozilah52, en Flickr, 2009)

El rostro de la calle, terminado!Cara en un muro de Cali (Colombia), Alexandre Farto. (Foto: por Gráfica Mestiza, en Flickr, 2010).

VhilsAlexandre Farto en Stolen Space, Londres. (Foto: por Dr Case, en Flickr, 2008)

Vhils @ CansFestival II - LondonAlexandre Farto en el Festival de Cans, Londres. (Foto: por Kriebel, en Flickr, 2008)

Referencias.-

Página Web de Alexandre Farto

Grupo FlicKr “Vhils”-Alexandre Farto

YBites Blog. Arte Urbano

Página Web de Jorge Rodríguez Gerada

Página Web de Louis Lambert (3TTMan)

Creativy Fuse: Retratos de J. Rodríguez Gerada

Arte Urbano en Madrid (El País, 16/01/ 2011

Arte Urbano en Malasaña (El País, 18/07/2007)

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Cine Royal
Antiguo Cine Royal, en la calle de López de Hoyos de Madrid. En los años 80 del siglo XX cesó en su actividad para convertirse en una sala de bingo y en discoteca. En la actualidad, en 2009 y desde 2006, se encuentra clausurado por orden municipal.
“Las viejas salas de cine van muriendo poco a poco. Comenzaron a languidecer en los ochenta y acabaron por reciclarse en bingos o discotecas. Los cines que mejor suerte tuvieron continuaron su función transformados en locales multisalas, que era la moda en los noventa. Ya en los últimos años del siglo XXI, algunos de los multicines comenzaron también a tener problemas. La presión de las grandes productoras norteamericanas, la falta de confianza en el cine nacional, “internet” y, en definitiva, la falta de público, consiguieron que las salas especializadas en “otro tipo de películas” más al margen de los circuitos más comerciales acabaran por rendirse y tirasen la toalla. La reconversión ahora se mostró en el cambio de uso, en forma de grandes superficies dedicadas a la moda, centros comerciales, tiendas multimedia y gimnásios en los que rendir culto al cuerpo y modelar la propia figura y el ego. Para entonces las salas más antiguas ubicadas en los barrios de las grandes ciudades y en los pueblos mostraban sus fachadas fantasmales deshechas por el paso del tiemp
o.”

Mirando por ahí, en internet, encontré un novísimo Blog (2009) que subscribe David Sánchez, encabezado con un casi angustioso título: “¿ DÓNDE ESTAN LOS CINES DE MADRID ?Se trata de Un paseo por los antiguos locales cinematográficos de la capital, desde los barracones de madera hasta los modernos minicines.
Como el tema me interesa y, además también ha sido objeto de atención en este Blog, lo cito y lo recomiendo. En realidad el contenido todavía es escaso, pero promete. Con David creo que comparto el interés por las arquitecturas desaparecidas, por los viejos cines olvidados y por la fotografía.
La inercia de la navegación internaútica me lleva a “Salvemos los Cines (2007) de El Osorio, otro Blog dedicado a preservar la memoria de los viejos cines madrileños en el olvido, cuyo autor es Carlos Osorio.
Finalmente, todo me lleva a un mismo punto, al Blog “Caminando por Madrid“, viejo conocido, de Carlos Osorio,a quien me acabo de referir.

Vallehermoso_Osorio
Osorio es pintor y su interés por el viejo Madrid se constata en su obra . Le interesan los pequeños detalles y los elementos anecdóticos que hacen de cada conjunto algo peculiar.
En esta pintura de la Granja Vallehermoso se muestra una vieja vaquería o lechería en la que se vendía leche de vaca…

Con Carlos Osorio también participo del interés por las viejas arquitecturas y de una sensibilidad por lo bello frente a lo feo, en la idea de que exista un mínimo universal que defina los valores de la estética (el valor del arte y de lo bello) y de que éstos encuentren su correlato en la ética o en un modo formal de interpretar la realidad de una manera positiva y artística . Y cuestión de ética poco moral, sin embargo,  son los despropósitos que los Ayuntamientos incapaces  han cometido a menudo, también,  en muchas ciudades y en muchas materias.
Acerca de ésto último Carlos Osorio hace un comentario que acompaña de foto en su Blog.

Después de ver este adelanto, por mi parte añado un elemento más. Se trata de un edificio de oficinas bancarias, de los sesenta-setenta, que se construyó trás el derribo de un antiguo hotel y cine de la Gran Vía. El edificio como se ve en las imágenes era anodino, impersonal, feo y descarado. Un forúnculo impertinente en medio de la representativa Gan Vía.

Desde luego, los responsables en dar el visto bueno al proyecto, se lucieron. Tanto como los que, más adelante, autorizaron el caso que cita Osorio en su Blog.

Gran via 48-Montaje_2008

Gran via 48_Banco Atlantico

Fotografía de la Plaza de Callao, tomada en febrero de 2010 donde  a la izquierda del palacio de la prensa se adivina un solar frente a una medianera impregnada de aislante. Ahí estaban los edificios de oficinas que pertenecieron al Banco Atlántico. Anteriormente hubo un edificio, que apreciamos en la fotografía más abajo, que fue el hotel “Nueva York” y que albergó al Cine Actualidades , que podría haber sido el cuarto cine que dejara ver la foto, y que se demolió en los años sesenta para levantar la mole de hormigón y cristal que ahora también se ha echado abajo. “Los edificios ubicados en la calle de Gran Vía 48 y de Tudescos 3, en su día propiedad del Banco Atlántico y en la actualidad de R & A Palace Gestión S. L, albergarán en un futuro próximo 150 viviendas, trás la decisión de la Junta de Gobierno del Ayuntamiento de Madrid, que permitió en 2007 la demolición del conjunto y la posterior edificación.”(Foto: Enrique F. Rojo, 2010)

Hotel Nueva York-Cine Actualidades_Gran Vía_Arquitecto M. Muñoz Casajús

La plaza de Callao desde Preciados en 1957. En el centro de la foto, junto al Palacio de la Prensa, el cine Actualidades que ocupaba los bajos del hotel Nueva York, derribado a principios de 1960. (Foto: Urech/ Ed. Temporae)

Hotel Nueva York-Cine Actualidades_Gran Vía_Arquitecto M. Muñoz Casajús

El desaparecido edificio que albergó al Hotel Nueva York y al Cine Actualidades en la Gran Vía, junto al Palacio de la Prensa, del arquitecto M. Muñoz Casajús.

Banco Atlántico bn

El desaparecido edificio del Banco Atlántico, ubicado en la calle de Gran Vía 48 y de Tudescos 3,  fue levantado sobre el solar del Cine Actualidades tras su derribo en 1960.  Después de ser derribado este último,  en 2011, la nueva construcción albergará en un futuro próximo 150 viviendas, según la decisión de la Junta de Gobierno del Ayuntamiento de Madrid, que permitió en 2007   la demolición del conjunto y la posterior edificación. La medida tomada por el Consistorio madrileño se enmarca dentro del Plan de Revitalización del Centro, que pretende regenerar y fomentar el uso residencial del corazón de la ciudad“.

En el solar se construirá un nuevo inmueble emblemático de más de 10.000 metros cuadrados de superficie, y de aproximadamente 2.000 metros cuadrados bajo rasante destinado a vivienda residencial de lujo de tamaño medio. La inversión de Renta Corporación ascenderá a más de 100 millones de euros: 82 en comprar el antiguo edificio y el dinero restante en la construcción del nuevo, cuyo diseño se ha encargado al arquitecto Rafael de la Hoz. El encargo incluye diez plantas con pisos (albergará alrededor de 150 viviendas) un área comercial y 200 plazas de aparcamiento. Esta compañía, que compró los edificios hace aproximadamente un año, ha conseguido que la Junta de Gobierno del Ayuntamiento de Madrid haya aprobado un Plan Especial que permite la transformación de las actuales oficinas bancarias en viviendas. La medida tomada por el Consistorio capitalino se enmarca dentro del Plan de Revitalización del Centro, que pretende regenerar y fomentar el uso residencial del corazón de la ciudad“. (Es por Madrid)

Gran via Calle de Gran Vía 48 y de Tudescos 3. La empresa promotora del nuevo edificio a construir pretende restaurar la homogeneidad formal y estilística” que consideraba perdida en la zona. “La fachada de vidrio del Banco Atlántico era un “accidente formal” que interrumpía la continuidad estilística y la unidad formal de las fachadas de la calle. Su transformación contribuirá a restablecer el uso residencial en el centro de la ciudad. El nuevo inmueble contará con los más altos niveles de calidad y diseño arquitectónicos, ya que se trata de una iniciativa que responde a los objetivos del Plan de Acción para la Rehabilitación del Centro“. (Es Por Madrid)

Para terminar, me he permitido también, espero que con el permiso tácito de su autor, incluir dos bellas estampas obra de Osorio: dos antiguos comercios de Madrid, de los que ya sólo podemos ver en fotos o en pinturas. Una de ellas ya aparece líneas arriba, la Granja Vallehermoso, la otra es también impecable.

Zapateria_Osorio

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HARING PISA-2009_SMALLFOTO: Enrique Fidel, 2009

En una visita a Pisa, ciudad que tiene peor fama de lo que se merece, cerca de la Piazza Emanuelle II, sorprende el colorista mural del artista neoyorquino Keith Haring (1958-1990) en una de las fachadas laterales del convento de San Antonio Abad, titulado “Tuttomondo”. El trabajo lo realizó el dibujante en 1989, un año antes de morir y se considera su última obra pública. Por eso el Ayuntamiento de Pisa lo cuida con especial atención. Haring pasó de ser un grafitero que ensuciaba las descuidadas paredes del metro de Nueva York,  a figurar como uno de los más originales artistas del arte urbano contemporáneo. Su prematura desaparición lo ha mitificado y en Pisa luce con esplendor la obra suburbial de este artista de megalópolis,  plasmada en la pared de un edificio religioso de una ciudad antigua y recoleta cuyo arte urbano románico, gótico o renacentista aparece de improviso en cualquier esquina.

haring4Al parecer, Haring quiso reflejar en su mural la paz y la solidaridad humana desde su particular forma de ver el mundo. La obra está compuesta por treinta figuras dispuestas a lo largo de 180 m² de pared. Entre los personajes aparecen el hombre tijera que simboliza la solidaridad entre los hombres/mujeres contra el mal/los malos, la maternidad, un personaje paloma símbolo de la paz, el hombre junto con un delfín, símbolizando la unión del humano con la Naturaleza. Si nos fijamos, hay otros elementos de más difícil identificación. De ellos el más notable, para mí, es el personaje con cabeza de televisión.

De este sujeto no sabría decir yo si Haring lo definiría en su momento como un aventajado entre la muchedumbre que nos vendría a traer profecías de bien acerca del revolucionario medio, o por el contrario como un diabólico ser portador de malos augurios, como más bien podría decirse que se viene demostrando que es la televisión de los últimos tiempos.

Me inclino más por lo segundo. Y segúramente Haring debió de pensar en la fuerza envilecedora de la tele, capaz de embrutecer como efecto perverso, por encima de su potencial enriquecedor y formativo.

Moira Orfei

Como remate, la fotografía contiene una pequeña trampa. Se ha insertado en la pantalla el rostro de la circense estrella italiana Moira Orfei, mito de los cincuenta-sesenta almidonado y amojamado, idolatrada por el colectivo gay, cuyo circo recorre las plazas de Italia mostrando las virtudes del “mayor espectáculo del mundo“, tan marginal ya, al menos en su concepción más primitiva.  Se trata de una especie de Manolita Chen a la italiana, sin querer desmerecer ni a una ni a otra por la comparación.

El caso es que la tele de hoy, tanto la española como la italiana, de la que participamos activamente con los subproductos que nos ofrece Telecinco,”made in Italy”, por poner un ejemplo,  (ver audiencias), escupe contenidos con un rostro semejante al de esta vedet: casposos,  trasnochados, y feos.  Y además, casualmente, son productoras con predominio de miembros del colectivo gay las que desarrollan con especial dedicación este tipo de programas. Así que la tele de hoy se ha colado en el mural de Haring. La peor televisión, desde luego. Seguramente él ya se lo imaginó y por eso dejó el espacio en blanco para que alguien llenara la pantalla del televisor con la imagen más indicada en cada momento. El momento de ahora podría ser esta mujer. También podríamos haber puesto el “rostro” de Belén Esteban, otro icono circense.
Si alguien no sabe quién es, mejor. Es otra que trabaja en el circo, simplemente.

Moira Orfei-02 manolita chen

Carteles de anuncio del Circo de Moira Orfei y del Teatro Circo de Manolita Chen.

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ALQUITRAN-1898Obreros removiendo alquitrán caliente para pavimentar una vía madrileña en la que se colocaban los railes del tranvía. Esta  conocida  foto es de 1898.


Sirvan esta notas, a modo de gacetilla local para poner texto “ad hoc” a las imágenes que ilustran el articulito de hoy, objeto último del mismo. En realidad  traer el tema del asfalto, betunes, breas y negros alquitranes  se debe a  la coincidencia temporal que supone el inicio de las campañas municipales de adecentamiento y reparación de algunas de las calles de la trama urbana madrileña.

Y es que,  como todos los veranos, desde hace décadas, en el mes de agosto, mes de vacaciones por excelencia, las calles de Madrid se cubren de negro. Aprovechando que la ciudad se vacía el Ayuntamiento pone en marcha la “Operación Asfalto“, todo un despliegue de toneladas de alquitrán que se repartirán por las calles más vistosas, en ocasiones también las más castigadas por el tránsito de vehículos.

Este año, la Operación se adelantó al mes de abril y, tal vez por la avanzadilla,  agosto será menos ajetreado en cuanto a labores de asfaltado que otros años. “La intervención pretende la mejora de un total de 78 calles o tramos y una superficie total de 365.260 metros cuadrados. Una operación, que se prolongará hasta finales de agosto y corresponde a la segunda fase de los trabajos iniciados el pasado mes de abril”. (La Gaceta Local)

ASFALTO02Este grabado de Ricardo Baroja, aborda el mismo tema de los “asfaltadores” trabajando de noche en las calles del centro de Madrid. La obra es de 1900.

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casa-marceliano-santa-maria-calle-abel_tetuan_2008_casa_small

A partir de unos comentarios de un amigo-lector acerca de una casa situada en el barrio de Tetuán (Madrid), en la calle Abel número 17, recupero unas fotos de junio de 2008.
Se tata de un edificio que perteneció a un pintor, Marceliano Santa María , de quien Wikipedia dice: ”Marceliano Santa María (Burgos, 18 de junio de 1866- Madrid, 12 de octubre de 1952) fue un pintor español, famoso especialmente por sus paisajes castellanos, sus cuadros de historia y sus retratos.

marceliano-santamariaEn 1934, Marceliano Santa María es nombrado Director de la Escuela de Artes y Oficios de Madrid. En este año, recibe la Medalla de Honor en la Nacional de Bellas Artes. Durante la Guerra Civil, su salud empeora y tiene que ingeniar soluciones para poder pintar, ya que le era imposible comprar los instrumentos necesarios. Tras la Guerra Civil continuó su actividad con mucha menos intensidad. De esa época se pueden ver retratos de Francisco Franco Bahamonde (al que según cuentan le enseñó a pintar) y recibió la Medalla de Oro Extraordinaria del Círculo de Bellas Artes en 1943. Murió en Madrid el 12 de octubre de 1952.” (Wikipedia)

casa-marceliano-santa-maria-calle-abel_tetuan_2008_detalle-ventanal_smallDetalle de la fachada de la Casa del Pintor Marceliano Santa María, en la calle Abel, 19 c/v. a la calle Zamora, en el distrito de Tetuán. (Foto de E. Fidel, 2008)

La casa en cuestión es citada por nuestro comunicante como “Chalet del Pintor”, situado en la calle Abel, número 17, esquina a la calle Zamora. Del edificio dice: “Hay rumores de que el anterior propietario era Santiago Ramón y Cajal y que en ese hotelito estaba cuando le comunicarón la obtención del Premio Nobel.”
Lo cierto, según se lee en Wikipedia sobre Ramón y Cajal, es que éste recibió el día 10 de diciembre de 1906 el Premio Nobel de Fisiología o Medicina; en 1907 se le ofreció la presidencia de la Junta para la Ampliación de Estudios: y en 1912 se trasladó a una nueva casa en la calle Alfonso XII. De él también se sabe que vivió en la calle Príncipe de Vergara. (Atendiendo a estos últimos datos, si damos credibilidad al “rumor” del que nos habla nuestro colaborador en su nota, la casa de Tetuán la habría dejado Don Santiago en 1912. Para 1934 el pintor Marceliano Santa María ya estaba en Madrid, pués fue nombrado Director de la Escuela de Artes y Oficios de Madrid, según indica la Wikipedia. Tal vez, para entonces, se hiciera con la vivienda y la ocupara). En cualquier caso, el 12 de Octubre de 1952, año en que murió, se encontraba en esta casa. Lo importante,  es que la casa sigue en el mismo sitio. Y que todavía hay quien recuerda su historia, a través de la historia de sus ocupantes en el tiempo.

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Puerta de entrada al jardín de la vivienda (2008).

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Placa conmemorativa colocada en la casa por el Círculo de Bellas Artes de Madrid

ConclusiónPoco sabemos de este pintor burgalés, al que el Círculo de Bellas Artes encargó una placa, que hoy se puede ver en la vivienda del barrio de Tetuán.
Nos queda el testimonio de la placa, el interesante y evocador edificio de ladrillo y una sensación extraña de que la historia y los personajes que la hacen se pierden en silencio y sólo la arquitectura les sobrevive (hasta que alguien decida que el tiempo se acabó y que la casa es vieja y hay que tirarla ….)

Nota: Si alguien más conocedor que yo, sabe más sobre el tema es bienvenido para que nos lo cuente. Apelamos, pués, a la generosidad de nuestros amigos lectores para que nos pongan al día pués, a veces, nos quedamos escasos de información.

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Hace algunos días, pilotando mi nave a través de los procelosos mares de internet, avisté, como si de un islote de insólita presencia se tratase, un Blog hermoso, lleno de hermosas imágenes antiguas. Me quedé con una curiosa crónica de 1930 firmada por Novais Teixeira aparecida en la publicación Ilustração , “la revista portuguesa de mayor tirada y difusión”, según se anunciaba en la portada.

La crónica de la que hablo se centra en la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1930, celebrada en Madrid, en el Palacio de Cristal de El Retiro, y en ella el crítico se explaya en apreciacones y juicios acerca del certamen y de paso hace un recorrido por lo que él considera las aportaciones más relevantes. El texto me parece interesante por cuanto se trata de una publicación portuguesa que trata de una manera muy cercana un acontecimiento español. Por otro lado, muestra un elenco de artistas españoles del momento en pleno proceso de producción. El lenguaje utilizado por el crítico posee la retórica propia de los textos del género y se recrea en la admonición de los métodos y del proceder del “stablishment” académico de los miembros del jurado a los que rechaza como tales.

La colección de la que proceden estas páginas de la revista Ilustração está siendo recogida por Mariana en su blog Ilustração Portuguesa cuyo contenido es simplemente una maravilla. Ignoro el tiempo que dedicará Mariana a escanear tanta revista antigua y tan copiosas ilustraciones, pero sólo la enormidad del resultado y la bondad del gesto de rescatar tanta vida pasada haciéndola presente, creo que son escusa más que válida para realizar el esfuerzo.

Agradezco a Mariana por haberme dejado tomar prestado parte de su trabajo para alimentar el mío.

Lo que sigue a continuación es el texto íntegro de la crónica de la Exposición Nacional de Bellas Artes de Madrid del año 1930. Los textos originales se pueden leer directamente de las páginas que ilustran el texto.

“A semejanza de años anteriores, en este año de gracia de 1930, de relativa gracia para los destinos españoles, la Exposición Nacional de Bellas Artes de Madrid no correspondió, en la visión de su conjunto, al exponente que España acusa después de hecho el cómputo de sus realizaciones plásticas. El termómetro, lejos de marcar la temperatura del ambiente, daría al espectador desprevenido una idea inexacta, por desvirtuada, de la actual realidad artística del país que se presenta con los bríos de los mejores tiempos.
Se diría un parlamento anodino donde faltase, por la irregularidad del censo, la representación de los mejores organismos nacionales y del cual se desinteresase la atención colectiva, dejándolo entregado a sus propios destinos.

La organización de estos certámenes de primavera les imprime un carácter otoñal y lúgubre, que se acentúa mucho más en las exposiciones nacionales españolas con su ritmo de caer las hojas sobre el desolado Palacio de Cristal que contrasta con la estridente exuberancia de los famosos jardines de El Retiro. Las normas oficiales, siempre obsoletas en relación a la generación artística que pasa, y que traen siempre implícitamente, por la naturaleza evolutiva del propio arte, unas normas que ya no son normas para la rutina imperante, que es la que regula y decreta, y ahuyenta al mismo tiempo la presencia de los verdaderos artistas.
A estas exposiciones hechas más para lisonjear la retina vacía de los turistas de tópicos que para satisfacer el deseo ávido de los buscadores de emoción, les falta aquella asimetría armónica y paradójicamente disciplinada –personalidades que se afirman unas e inconfundibles, en el ansia de un sueño común- que arroja relámpagos de improviso a las imaginaciones más robustas y satura de sensaciones inéditas los más claros entendimientos.

Arte conservadora podríamos llamar a eso que busca refugio en estos certámenes estériles, hallando así, de modo figurado, una designación formada por dos términos antagónicos, irreconciliables, por tanto. Pero, a penas de modo figurado, porque ni el Arte, que permanece actual al paso del tiempo -sentido de eternidad- puede ser conservadora, ni siquiera el conservadurismo admite en sí la fuerza terminativa y revolucionaria que torna viva la vida, fecunda la belleza, vigoroso el espíritu. Es por esto que el Arte existe siempre al margen de estos certámenes.

Ocurre en el Arte como en los pueblos… Pasa la caravana sobre los campos de cereales floridos, patas marciales que aplastan el fruto divino y no se escucha ni un grito de indignación… ¡Ni siquiera un quejido de dolor! ¿Quiere esto decir que los pueblos no existen? No. Los pueblos existen, pero existen al margen de estas caravanas.
¿Quién forma los jurados de las exposiciones Nacionales de Bella Artes? En general son los mismos de siempre. Es un galardón que se conquista por vía de la antigüedad sin gloria y de la córnea persistencia. Algo así como un premio a la decrepitud y a la obstinación. Como determinante ineludible, estas dos condiciones obligatorias: la respetabilidad de los años y la caducidad de las facultades artísticas. Jactos de juventud espiritual, que nada tiene que ver con la juventud de los años, y no está demás insistir en este punto, son manchas rebeldes que dejan el cuadro a perder.

Ha de ser todo, pequeño, mezquino, bien arreglado, todo en su lugar, sin un detalle de más ni de menos. Y cuando sopla un vendaval de talento que amenaza el viejo orden de cosas, álzanse al dios Apolo los brazos airados para que nos libre de las malas tentaciones. ¡Lucifer en figura de Dionisio! ¡Os conjuro! ¡Hay que mantener el orden ante todo y por encima de todo! Aunque el arte desfallezca de hambre… ¡Decididamente, estos jurados de las exposiciones Nacionales tienen alma de policía! De ahí un criterio de restricciones de orden criminal, un arremeter de ojo severo e iracundo frente a la gracia espontánea, el impulso de la sensibilidad libre, el salto heroico que lanza cuerpo y alma hacia los pies de Dios…”

“Esto da como resultado que las recompensas se concedan, no en función del valor intrínseco de la obra presentada, sino en razón directa de los centros oficiales a los que el pobre artista acudió y donde se malograron todas sus virtudes congénitas, si es que algún día las tuvo. Obras concedidas con personalidad propia son abortadas en su germen de forma despiadada. Personalidad –la del maestro, la de los compendios, la del modelo. Sólo ésta venga para la ambicionada recompensa.
Así, las medallas constituyen una promoción ascendente que se mide según las medallas ya poseidas por el candidato. Y quien no consiga entrar en la selección es inútil que alegue servicios del más alto mérito.
Incapacitado el jurado para aquilatar por cuanto a valores artísticos se trate, rígese éste siempre por las normas tradicionales, que apenas reconocen valores de orden cronológico, yendo consecuentemente a recaer la medalla, por vía de la norma, en cierto caballero que tiene con el arte esta relación tan simple: haber intentado entenderlo e interpretarlo a lo largo de años y años de infructíferas tentativas. De donde se concluye que el apetecido galardón lleva consigo el reconocimiento de la impotencia artística del concursante, sorprendida en flagrante reincidencia, lo que significa, como mínimo, una inmoralidad sin calificativo”.

“Estas han sido las características dominantes de la Exposición Nacional de Bellas Artes, desarrollada en Madrid en este año de gracia de 1930.
Pero a pesar de todo, algunos nombres se salvan de este lodazal estético, libres de mácula, y hasta con honra y gloria.
Citaremos, entre ellos y en primer lugar porque así le corresponde en valía, el nombre de José Gutiérrez Solana que es, sin duda alguna, la afirmación más vigorosa dentro de la pintura española de nuestros días. Pintor de la mejor estirpe hispánica, en una modalidad que encuentra raíces en remotos ejemplos de la sensibilidad de la raza que, junto con Zuloaga, representa toda la tradición de la pintura española. Sin embargo, si con el pintor vasco aparece la influencia de un ambiente local ya reflejado en las grandes creaciones literarias de su País, dándole por vez primera una noble interpretación plástica, en Gutiérrez Solana alcanza, por vía de su temperamento extraño, las primeras manifestaciones estéticas del pueblo español. Hay en su obra sedimentos de todas los materiales que el alma de este pueblo fue depositando a lo largo de su tradición. Mas, de las más primitivas, de las más espontáneas, de las menos sacudidas por los vientos de otras culturas. La comprensión de la obra de Solana es, sin duda alguna, uno de los caminos a seguir para poder llegar al subconsciente de la raza ibérica. En un próximo número de la “Ilustración Portuguesa” dedicaremos a esta gran figura de la pintura española la atención que se merece.”

José Gutiérrez Solana, “Recogiendo a los muertos”, 1937

“La gran revelación de la Exposición de este año fue el pintor Joaquín Valverde. Habiendo asistido a todas las escuelas profesionales y trillando siempre el mal camino hasta llegar a Roma, donde estuvo pensionado, como los peores pintores de todos los paises -las excepciones son tan pocas que no desmienten la norma-, pudo llegar por fin a puerto de salvación con el alma virgen después de tantos peligros que la amenazaran. Los Lagares es una obra de alto valor artístico que anuncia a España la gloria de un gran pintor. Así lo reconoció Juan de la Encina con su voz autorizada y lo reconoció también pintor tan ilustre y de tan vastos conocimientos de técnica pictórica como Juan de Echevarria, en un bello artículo crítico donde las cualidades artísticas del joven pintor fueron estudiadas con profundo conocimiento de causa.
Hay en la composición de esta tela cierta majestuosidad velazqueña, conciliándose, en todos sus detalles, la fuerza tradicional de una gran escuela de pintura con una visión perfectamente moderna.
Timoteo Pérez Rubio cometió, a nuestro entender, un pecado de lesa-lealtad, cediendo a transigencias que no pueden merecer su propia aprobación. Siendo uno de los pintores que hoy camina en la avanzadilla del arte de su País, donde conquistó un puesto destacado, se presentó en esta Exposición de Madrid con un propósito deliberado: someterse a la vulgaridad del ambiente. Felizmente para él, no lo consiguió. Su “Paisaje con animales” de bello sentido decorativo y que forma parte de una fase ya pasada en la vida artística de su autor, fue, a pesar de todo, un grito de buen gusto en medio de toda la mediocridad del certamen.
Más leal fue consigo mismo y con nosotros el elegante pintor valenciano Enrique Climent, que se mostró tal cual es, orgulloso de su independencia, sin preocuparse por aparecer tal cual como fue…
El retrato del “Dr. Blanco Soler” primorosamente dibujado y de sutilísimas gamas en su cromática transparencia, es, por decirlo así, el trasunto de nuestros días, con expresión actual, de la preocupación temática de los pintores primitivos. Del mismo modo, en el estudio de la perspectiva, hay una cierta ingenuidad de pintura antigua que da al cuadro un todo de grata armonía y que responde al propósito consciente del autor. Los planos se desdoblan como en los primitivos, como en los primitivos religiosos especialmente, yéndose a encontrar al fondo la representación dogmática de un escena real. O mejor, la explicación del dogma. Éste es, en efecto, el sentido del cuadro. Al fondo, en segundo plano, en un trazo de admirable pintura, la presencia de la Naturaleza. En el plano siguiente, un enfermo sobre una cama de operaciones. Esto es, la lucha entre la vida y la muerte. Aquí, con la ayuda de la fe, representada por una Hermana de la Caridad. Poner la vida en el camino de la Naturaleza, ¿No será esa la misión del médico?”

Retrato de Rosa Chacel de Timoteo Pérez Rubio

“Merece también nuestra atención el pintor Cristóbal Ruiz, lírico, por excelencia, entre los nuevos pintores de España. Hay en sus paisajes aquel sentimiento elegiaco de los líricos del Quinientos. Sus tintas se extienden en delicados matices hasta un horizonte lejano que la vista mal alcanza, con una espontaneidad emotiva, que es una de las mayores virtudes de su personalidad como pintor. Cristóbal Ruiz es esencialmente un pintor de paisajes. Como retratista no deja de ser un pintor de gamas dulces, y sus retratos son casi siempre un motivo episódico dentro de un paisaje que todavía está por hacer. En la escultura, fue Pérez Comendador, con su “Busto de Mujer”, que aquí se publica, quien más llamó la atención de la crítica inteligente.
Quintín de Torre, el conocido escultor vasco, confirmó, con su “Farsa”, las sólidas condiciones artísticas que ya venía demostrando a través de su obra.
José Planes, el escultor murciano, a quien ya nos referimos en las páginas de esta revista, presentó “Una danzarina Moderna”, magnífica de dinamismo y de visión actual, donde se sintetiza, en líneas finísimas, todos sus profundos conocimientos técnicos.
No debemos olvidar el nombre de Pérez Mateo, que será un gran escultor cuando desprecie ciertas preocupaciones germánicas, para las cuales no le predispuso Dios. Tampoco al escultor chileno Lorenzo Domínguez, autor de una deliciosa cabeza de mujer, que fue el mejor retrato de esta exposición.
La Medalla de Honor se le concedió, por votación entre los artistas españoles, a Joaquín Ruiz, el admirable maestro catalán, cuya obra contribuyó de manera decisiva a la visión de un nuevo paisaje que marcó época en tiempos todavía recientes”.
Novais Teixeira, Lisboa 1930

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